O conversație despre desenarea Glasstire
Frans Snyders, Studii pe animale, c. 1594-1657
Christina Rees: Am fost la Santa Fe la începutul acestei veri și am prins un spectacol la Muzeul de Artă din New Mexico care m-a suflat. Încă mă gândesc la asta. Se numeste Linii de gândire: desen de la Michelangelo la Acum. Toate sunt desene ale unora dintre cei mai mari artiști din istorie, din secolul al XV-lea până în prezent. De la Leonardo da Vinci la Dürer, Rembrandt, Degas, Julie Mehretu, Baselitz, Bridget Riley. Nu este un spectacol uriaș și nu ar trebui să fie, dar a fost atât de bun încât m-a lovit ca un narcotic. Schițe, studii, toate aceste lucrări minunate și intime pe hârtie, cu mâna artiștilor foarte prezentă în toate. Există desene da Vinci care sunt atât de vii și imediate încât se simte de parcă le-a schițat ieri.
Este treaba mea să privesc arta și chiar uit cât de crucial este sau cel puțin a fost desenul. Se pare că desenul a scăpat pe scara importanței ca instrument sau proces al unui artist. Sau o are?
Michael Bise: Nu a alunecat pe scară cu niciunul dintre artiștii la care îmi pasă. Abordarea desenului este începutul liniei pentru oricine dorește să se numească artist. Nu există alt punct de intrare. Este ceea ce au făcut primii oameni care au făcut artă.
Ceva pe care mulți oameni au tendința să-l uite este că oamenii nu devin artiști la facultate sau la școala postuniversitară sau într-un alt moment nedeterminat când ar putea părea la modă. Artiștii învață dacă sunt artiști când sunt copii. Unii sunt constructori, alții sunt sertare, cei mai buni sunt amândoi - dar dacă nu sunteți atenți la tipul de atenție la plasticitate implicat în atenția atentă la desen atunci când sunteți destul de tânăr, aveți o mulțime de ajungând din urmă să facă. Moartea neuronilor și toate astea.
Desenul este despre recunoașterea complexității lumii. Când predau desenul le spun studenților mei că viziunea (și gândirea) este un proces cumulativ. Nu puteți vedea o viață complexă înființată în cinci minute, vedeți doar o privire. Folosesc exemplul unui semn STOP. Vedeți doar cât de multe semne STOP trebuie să știți pentru a vă opri. Dacă îl privești suficient de mult timp, vezi modelul din plasticul sau metalul reflectorizant din care este fabricat, observi dacă este decolorat sau dacă există un cip în „S.” Apoi, un tâmpit în spatele tău într-un Audi se așează pe claxonul lor.
Peter Paul Rubens, Studiu pentru figura lui Hristos pe cruce, c. 1610
CR: Ați întâlnit vreodată un artist bun care să respingă desenul? Și orice artist care nu atrage cu adevărat ar vrea să recunoască acest lucru?
MB: Niciun artist bun nu respinge desenul. Ar fi ca un muzician bun care respinge note. Dar am întâlnit o mulțime de oameni care extind definiția a ceea ce înseamnă să fii artist până la punctul în care activitatea de artă devine o categorie fără definiție.
Am întâlnit artiști care pot trage o afirmație că nu pot, dar nu sunt respingători. Este mai degrabă un lucru umil. Există un fel amuzant de vinovăție cu unii artiști în care se simt de parcă nu li se permite să scoată un desen frumos - trebuie să-l subverteze cumva. Și este în regulă. Dacă pot subverti tradiția în timp ce îmi arată că au controlul asupra acelei tradiții, cred că aceasta este partea osului în care se află carnea bună. Este radical. Există o ironie într-un fel de punct de vedere avangardist lipsit de calificare care se dorește a fi radical, dar în practică devine un fel de iconoclasmă protestantă care interzice îndemânarea sau talentul. Dar tot mai mult încerc să nu scrâșnesc din dinți în legătură cu asta și să ignor doar genul de ideologie artistică care îmi dă indigestie. Din punctul meu de vedere, văd schimbarea atitudinilor față de îndemânare în general și de desen în special. Puteți servi doar supă oamenilor și o puteți numi artă atât de mult timp. Oamenii se înfometează mereu din nou.
Bridget Riley, Studiu pentru Blaze, 1962
CR: Într-o anumită măsură, ceea ce expuneți aici este similar cu atitudinile legate de pictură. Desigur, desenul și pictura sunt foarte diferite și o mulțime de oameni care pot și nu pot desena niciodată nu abordează pictura. Dar când menționezi „avangarda necalificată”, care circulă și iese în circulație, ai putea vorbi despre tendințe (sau „tendințe”) în pictură. „Oamenii se înfometează mereu din nou”. Pentru ce, mai exact? Conținut, narațiune, figurare, umanitate recunoscută? Dacă da, cum servește desenul?
Melchior Lorck, broască țestoasă și vedere la un oraș de coastă cu ziduri, 1555
MB: Nu sunt foarte convins (deși s-ar putea să mă puteți convinge) că „de-abilitatea” în pictură sau desen sau sculptură sau în majoritatea oricăror forme de cicluri de artă înăuntru și în afară. Cred că a fost un standard destul de solid pentru viața mea. Profesorii din clasele mele de desen și pictură, când obțineam diploma de licență (cu o singură excepție), nu mi-au învățat niciodată nicio tehnică. Lucruri precum cantitatea de ulei sau apă de in care să se adauge la vopsea sau cum să descompuneți o imagine sau un obiect în formele sale de bază atunci când îl priviți sau cum să obțineți această sau acea textură în desen au fost aproape complet ignorate. Cred că acest lucru a fost considerat „academic”, ceea ce este un cod pentru conservatori. Doar într-o clasă de acuarelă mi s-a învățat ceva tehnică. A trebuit să extrapolez din acea clasă în acrilic și apoi în ulei. Cred că acesta a fost standardul în educația artistică cel puțin din anii '70.